Connaissez-vous ce qu’est la batterie ?

D’abord les fûts composés d’une grosse caisse, d’une caisse claire, des toms aigus, du medium et du grave, puis des cymbales (une cymbale ride pour le jeu rythmique, la crash pour le break et le charleston qui est composé de 2 cymbales qui sont actionnées par le pied). Mais selon les styles musicaux ou d’autres besoins, d’autres percussions peuvent être ajoutées, notamment les cloches ou l’agogo. Mais quel est le rôle de la batterie ? Principalement à marquer ou à diriger le rythme. Au sein d’un orchestre, d’un groupe de musique, la batterie a sa place, au même titre que la guitare, la contrebasse, le piano et la basse.

Les techniques en batterie

Le batteur utilise des baguettes en bois, même s’il arrive que des batteurs utilisent des modèles en métal. La prise en main des baguettes se fait soit par la prise tambour où la main droite est au-dessus de la baguette et la gauche en-dessous, soit par la prise timbale où les deux baguettes sont tenues par-dessus. Cette forme de prise nous vient des américains. Quant au jeu charleston/caisse claire, il se joue avec les bras croisés ou ouverts. Si le batteur joue du jazz ou du blues, ce sont plutôt de balais qu’il va utiliser, une espèce de manches avec de longs brins et métalliques, et ce, afin d’obtenir un son doux et raffiné. Pour avoir un son de frottement, il va « écraser ou balayer » la caisse claire avec. Qu’en est-il du travail des pieds ? Il se fait sur la caisse claire ou bien avec le talon au niveau de la grosse caisse. Pour le jazz, le talon à terre ou le « pied à plat » permet une exécution plus rapide. Pour la technique du roulement, elle combine la vitesse d’exécution et le contrôle des coups accentués.

Et pour la batterie électronique ?

Avec la batterie électronique, le batteur joue sur des pads assez larges. Ceux-ci sont soit en fausse peau, soit en caoutchouc, et on en obtient le toucher d’une batterie acoustique. Peut-être direz-vous que rien ne vaut la batterie acoustique. Et des batteurs ne veulent pas entendre parler des batteries électroniques. Mais comme tout instrument électronique, elle présente tout de même des avantages. Par exemple, il vous est possible de mettre un casque lorsque vous jouez et donc, vous ne risquez pas de déranger les autres autour de vous. Vous pouvez vous entraîner autant que vous voulez, répéter à loisir, sans avoir à gêner personne. Vous aussi la possibilité de configurer le son comme vous le souhaitez.

Van Halen est-il le père du tapping ?

Avant même de commencer à apprendre le tapping, on peut s’intéresser à son histoire… Tout aurait explosé avec le morceau « Eruption » du célèbre guitariste Eddie Van Halen. Mais l’apparition de la méthode pourrait bien remonter à quelques années plus tôt, dans le début des années 1970, quand le guitariste de Genesis l’a utilisée dans les titres « The Musical Box » et « Dancing with the Moonlit Knight ».
Ainsi, quand on voit à quel point des légendes comme Van Halen et Genesis ont popularisé cette technique, on a tendance à croire qu’elle est récente et qu’elle vient d’eux. Mais dans les faits, cette manière de faire existait depuis déjà très longtemps, on en trouve par exemple des traces dans la musique folk turque,avec des applications sur un instrument ressemblant à un luth (baglama).

À la recherche des pionniers du tapping

Selon Dave Bunker, à l’origine du premier instrument de musique spécifiquement élaboré pour le tapping à deux mains, cette technique aurait été inventée par Merle Travis et Jimmie Webster. D’ailleurs, quand on s’intéresse de plus près à la biographie de Jimmie Webster, on apprend qu’il est considéré comme l’inventeur du tapping à deux mains et qu’il a même écrit un manuel pédagogique au début des années 1950, avec des illustrations pour comprendre et maîtriser sa méthode.
Plus tard, dans les années 1970, on, a commencé à frapper les cordes des guitares plus souvent. En 1969, par exemple, Emmett Chapman (guitariste jazz) a mis au point une nouvelle méthode de tapping, impliquant de placer ses deux mains perpendiculaires au manche en sens opposé (une disposition devenue classique aujourd’hui).
Le guitariste blues / jazz Randy Resnick, lui aussi, a exploité le tapping dans ses concerts, en utilisant plusieurs de ses variantes de manière successive entre la fin des années 1960 et le début des années 1970.
Plus les années ont filé, plus les guitaristes ont exploité le tapping et y ont apporté des modifications. En 1977, par exemple, Ace Frehleya utilisé un médiator. Par la suite, Van Halen a vraiment exploré toutes les dimensions du tapping pour ses solos,rendant de fait la méthode particulièrement populaire.

Quand peut-on apprendre le tapping à la guitare ?

Comme vous avez pu le lire dans cet article, ce sont de grands guitaristes qui ont rendu le tapping populaire. Alors si vous venez de commencer les cours de guitare, vous vous dites peut-être qu’il est encore trop tôt pour tenter de vous initier à cette pratique… Dans les faits, rien n’est impossible : n’hésitez pas à demander à votre professeur s’il est possible de vous montrer comment procéder, il saura vous apporter des bases et vous proposer des exercices à votre portée.
Pour bien réussir le tapping, on conseille d’utiliser l’index ou le majeur (essayez avec chacun de ces deux doigts, et conservez celui avec lequel vous avez le plus d’aisance). Faites-en sorte d’adopter un mouvement rapide pour obtenir le meilleur effet possible, en allant vers le haut ou vers le bas. N’hésitez pas à travailler le même modèle pendant plusieurs cours de suite, jusqu’à ce que vous le maîtrisiez totalement, avant de passer à de nouveaux défis.

Le piano, un indissociable du jazz

La formidable palette du piano lui assure une place de choix dans la formation jazz. D’ailleurs, pour la petite histoire, sachez que cet instrument qu’est le piano a été le premier instrument soliste du jazz. Cela a été le cas bien avant que le genre ait été connu sous cette appellation. Le piano a eu le temps pour définir ses propres genres, dont le boogie woogie, une musique au rag d’enfer qui a été adaptée du blues dans les années 20. Plus tard, le piano s’est délesté peu à peu de sa dominante rythmique originale et tendait davantage vers l’harmonie et la mélodie. C’est ainsi que le piano a commencé par accompagner puis à chanter.

L’évolution de la place du piano en jazz

A l’ère du swing, le piano se retrouve au beau milieu des grands ensembles de Duke Ellington et de Count Basie. Des années après, il est en trio, quelquefois avec batterie, d’autres fois non. Puis, le piano, en accompagnant le jazz, a atteint divers sommets, c’était le cas avec Art Tatum, ensuite avec Thelonious Monk, en versant dans le bepop. Et puis Bill Evans est venu, et devenu le pionnier et le meneur de tous les harmonistes. En tout cas, aujourd’hui, de nombreux pianistes s’accordent à dire qu’au piano, on peut tout faire, soit jouer en solo soit accompagner.

La particularité des guitares électriques

Les guitares électriques ont un corps creux ou solide que l’on appelle hollow ou solid body. On trouve sur le marché plusieurs formes de guitares électriques. Le modèle le plus apprécié par les guitaristes reste la guitare Les Paul fabriquée en 1952. Ensuite, il y a la guitare électrique SG, un modèle plus récent pour les adeptes de modernité. Elle embarque une double corne emblématique et un double pan coupé. La guitare ES-45 est un modèle particulier, car elle a un corps creux comme les guitares acoustiques. De plus, elle est très légère offrant ainsi un meilleur maniement. La guitare RG ou Roadster Guitar a été conçue en 1979 par Ibanez. Elle est devenue une icône dans le monde du rock et du métal. La forme explorer est également appréciée par les guitaristes de rock et de métal. Les guitares stratocaster ont été fabriquées par Leo Fender en 1954. Elles sont très pratiques, car grâce à ses pans coupés, on peut facilement accéder aux cases les plus aiguës. La guitare Telecaster de Leo Fender a un style exotique. Elle a été créée dans les styles de musique hawaïenne pour jouer le country ou le blues.

La spécificité des guitares acoustiques

Les guitares acoustiques sont idéales pour jouer de la basse. Elles embarquent avant tout les guitares classiques, le modèle le plus ancien au monde. La guitare classique est appréciée des débutants pour sa facilité de maniement. Mais, de grands musiciens l’adoptent pour jouer de la musique classique ou encore de la musique tropicale comme le flamenco et le bossa. Si vous optez pour ce type de guitare, l’article sur Guitarepepere.fr vous aidera à bien choisir l’instrument qu’il vous faut. Sachez en tout cas que la guitare classique est généralement faite en bois massif ou en contreplaqué avec des cordes en nylon. C’est tout le contraire de la guitare folk qui est équipée avec des cordes en acier. La guitare classique est disponible en tailles différentes. Bien d’autres guitares sont plus sophistiquées. La guitare dreadnought fait partie des guitares folks. Elle offre beaucoup de basses et un son assez grave, mais pas trop. La guitare dreadnought est très polyvalente. La guitare jumbo a une taille imposante pour les guitaristes ayant un grand gabarit. Par ailleurs, elle produit des sons très puissants pour jouer du rock. Le rythme est soutenu et le jeu bénéficie d’une justesse sans égale. La guitare auditorium est plus fine et offre un volume sonore limité. C’est idéal pour jouer avec finesse et en douceur. La guitare concert se trouve au centre de la guitare jumbo et l’auditorium. Elle est plus petite que la guitare jumbo, mais offre un son très puissant pour un concert ou un enregistrement. Le son peut remplir toute la pièce et la caisse est facile à manier.

L’invention du clavecin remonte au moyen âge

Originaire de la Bourgogne ou bien de l’Italie, le clavecin a vu le jour au XIVe siècle. La littérature de l’époque faisait déjà allusion à cet instrument à cordes. Dans une lettre datant de 1397, Lodovico Lambertacci attribue l’invention des clavecins à Hermann Pol. Dans un courrier pour son fils, cet homme originaire de Padoue donne des détails sur l’apparence de cet instrument produit en Italie à ses débuts.

La noblesse de l’ancêtre du piano reste indiscutable

Le clavecin est un instrument de musiques apprécié de la noblesse. Il animait les soirées mondaines et les danses de salon. A la Révolution française, les clavecins sont bannis de la culture populaire et relégués à un rang inférieur. Après 1789, ils faisaient partie de vieux meuble de la noblesse. Il a fallu attendre un siècle plus tard pour que l’instrument de musique fasse à nouveau parler de lui. L’exposition universelle de Paris en 1889 a relevé un modèle beaucoup plus moderne. Le clavecin de l’époque était signé par le fabricant Pleyel et Erard.

Un instrument à cordes avec 5 octaves

Le fonctionnement du clavecin reste pratiquement le même que celui du piano. A chaque fois que le claveciniste appuie sur une touche, une corde en laiton est frappée par une pièce métallique. Le son perçant est alors amplifié par une caisse de résonnance appelée table d’harmonie. Les instruments d’époque comptaient 3 à 5 octaves. Chaque clavier est indépendant, mais il est possible de les jouer en accord harmonieux. En France, le clavecin accompagnait quelques tubes dont les chansons de Jacques Brel.

Choisir une guitare acoustique

Une guitare acoustique sonne grâce à une caisse de résonance. La forme de cette dernière changera d’un modèle à l’autre. Avec un pan coupé, vous pourrez atteindre la base de la manche. Alors, il convient davantage pour ceux qui souhaitent jouer solo. Les guitares d’accompagnement sont de plus grande taille pour un son plus puissant. Dans certains cas, il est possible d’avoir 12 cordes pour une sonorité très ample. Quoi qu’il en soit, la guitare acoustique sera un excellent choix pour débuter.

Les avantages des guitares électriques

Si vous préférez le rock ou le pop au folk, la guitare électrique devrait vous convenir. Cet instrument offre un large choix de sons que vous ne pourrez pas faire avec un modèle acoustique. Il vous sera même possible d’avoir des effets. Par contre, tout ce qu’une guitare acoustique peut faire sera possible avec un modèle électrique. La manche plus longue et fine permet d’atteindre des notes très aiguës. Ce qui plaira particulièrement à ceux qui souhaitent faire du rock plus tard.

Un instrument abordable qui plait

Si vous posez la question à un professeur de musique, ce dernier vous dira probablement de choisir une guitare classique. Il a peut-être raison, mais le mieux serait d’investir sur un instrument qui vous plait et dont le style correspond au vôtre. Si vous écoutez davantage du rock, ce sera inutile d’opter pour un instrument de musique classique. A la rigueur, vous pourrez prendre un modèle espagnol de type flamenco. Enfin, il est très important de choisir un modèle qui vous correspond à votre objectif.